Ambre Vilain 1 , Jeremie Koering 2
1UFR HHAA, Université de Nantes (France), 2University of Fribourg, Fribourg (Switzerland)
Sujet en anglais / Topic in english
As a consequence of its idealist heritage, art history has long neglected a whole range of productions that were considered minor, because mass-produced. While modernity invented the hierarchy of genres, traditional societies attributed specific functions artefacts, regardless of how they were made. In the Middle Ages, the serial method of production was considered more valuable, since it guaranteed authenticity (seals), good currency, protection and benefits (pilgrimage badges), not to mention the status of consecrated hosts. The different processes that led to a "resemblance by contact" (Didi Hubermann) can be implemented on a very wide range of materials, which have their own physical and symbolical qualities.
The aim of this session is to question the different cultural uses attached to fragile, ductile and/or consumable materials in order to deconstruct the categories that separate élite art learned from the popular one, the large from the small, the unique from the serial. In order to feed the reflection, we wish to involve into the sessions researchers that are working on production from all continents, and that come from different disciplines (art history, archaeology, archaemoetry, anthropology, etc.).
The papers will be organised around three main axes: 1- stamping, 2- moulding, 3- consumption of images. The presentations will be followed by a round tables.
Produce truth : stamping
The idea of the "truth" of the material will be questioned. In the case of the seal, for example, the sealing operates in a single gesture a double transformation, that of an inert material into an effective sign and that of an element of discourse into a legal act. The gesture of striking, pressing or moulding as a gesture of truth, a gesture that consecrates the material as a guarantee of authenticity, should be questioned; the physical involvement of the practitioner should also be examined.
A transient transformation of the material
This axis will focus on productions that require a transitory transformation of the material to accommodate the form (plaster, gypsum, cement). This process implies that the liquefied material, recovering its primitive material nature, adopts the form that the mould imposes on it. The following transformation concerns not the material itself but its surface that can be painted, gilded, etc. What is the status of the surface ornament in the context of serial production?
Consumed works: questioning the tool
The last axis will address categories of objects mainly ignored by art historians, i.e. serial works that are designed and produced to be consumed. This process of consumption necessarily implies the disappearance of the work, even though the tool, that maked it, persists. The status of these consumed objects and the tools used to produce them can be examined, as well as the iconography: what is the value of the ornament on these consumed objects? This axis could be an opportunity to question the transgression that this type of consumption represents (symbolic anthropophagy). We could also question the heritage status of the tool. When can a mould become a work of art?
Sujet de la session en français / Topic in french
Héritière d’une conception idéaliste de l’art, longtemps l’histoire de l’art a négligé tout un ensemble de productions qu’elle jugeait mineures, parce que produites en série. Si la modernité a inventé la hiérarchie des genres, les sociétés traditionnelles attribuaient des fonctions spécifiques à telles ou telles productions quel que soit leur mode de fabrication. Au Moyen Âge ce mode de production était paré de vertus supérieures, il garantissait l’authenticité (sceaux), la bonne monnaie, pour les enseignes de pèlerinage la protection et soin, sans parler du statut des hosties. Les différents procédés aboutissant à une « ressemblance par contact » (Didi Hubermann), permettent de travailler de très larges gammes de matériaux disposant eux-aussi de vertus propres.
L’objet de cette session est d’interroger les différents usages culturels attachés aux matériaux fragiles, ductiles et/ou consommables afin de déconstruire les catégories séparant le savant du populaire, le grand du petit, l’unique de la série. Pour ce faire nous souhaitons intégrer à la réflexion les pratiques d’autres continents sans nous limiter à une approche strictement historienne de l’art.
Les communications s’organiseront autour de trois axes : l’estampage, le moulage et la consommation des images, sous la forme de tables rondes.
Un geste unique sur une matière brute produisant de l’authenticité
Il s’agira d’interroger la notion de « vérité » du matériau. Dans le cas du sceau par exemple, le scellage opère en un geste unique une double transformation, celle d'une matière inerte en un signe efficace et celle d'un élément de discours en acte juridique. Il conviendra d’interroger la gestuelle de la frappe, de la pression ou du moulage comme geste de vérité, gestuelle consacrant la matière en tant que garantie d’authenticité ; on pourra également s’interroger sur l’implication physique du praticien.
Une transformation transitoire du matériau
Cet axe s’intéressera aux productions nécessitant une transformation transitoire du matériau pour accueillir la forme (plâtre, gypse, ciment). Ce processus implique que la matière liquéfiée, recouvrant sa nature matérielle primitive adopte la forme que le moule lui impose. La transformation s’opère alors non pas dans la matière elle-même mais dans la transformation de sa surface (peinture, dorure). Quel est le statut de l’ornement dans le cadre de ces productions sérielles ?
Des œuvres consommées : questionnement autour de l’outil
Le dernier axe sera l’occasion d’aborder des productions ignorées par les historiens de l’art, des œuvres sérielles que l’on consomme. Ce processus de manducation impliquant nécessairement la disparition de l’œuvre alors même que l’outil perdure. On pourra s’interroger sur le statut de ces objets consommés et des outils qui permettent de les produire, mais aussi sur l’iconographie : quelle est la valeur de l’ornement sur ces objets consommés ? Cet axe pourrait être l’occasion d’interroger la transgression que ce type de consommation représente (anthropophagie symbolique). On pourra s’interroger sur le statut patrimonial de l’outil. À partir de quand le moule peut-il devenir une œuvre d’art ?
